Conoscere il cinema di Pier Paolo Pasolini

Dal 10 marzo al Centro Studi di Casarsa 5 incontri e proiezioni su Pier Paolo Pasolini

“Conoscere il cinema di Pier Paolo Pasolini” torna al Centro Studi di Casarsa dal 3 marzo, grazie al sostegno di Comune e Regione e in collaborazione con Cinemazero. Lezioni e proiezioni curate da studiosi ed esperti del linguaggio cinematografico dell’intellettuale friulano condurranno il pubblico dentro l’ultima sua produzione, che dalla “Trilogia della vita”, che celebra il corpo e l’immediatezza di una vitalità perduta, porta infine all’abiura di questa visione, per tornare con lo sguardo sull’attualità più bruciante del degrado umano.

La prima ispirazione di Pasolini in questa fase, dopo la stagione cifrata del cinema d’élite, è il recupero del mondo popolare come protagonista dei suoi film, scegliendo di narrare vicendeche scaturiscono da prepotenti pulsioni corporali legate soprattutto al sesso, eletto a emblema 
della vita. L’ispirazione sono i grandi autori e i testi del passato: si comincia dal Boccaccio del “Decameron” (1971), film in programma il 3 marzo, introdotto dalla lezione “L’elegia del corpo ritrovato” curata da Luciano De Giusti, docente di Storia e semiologia del cinema all’Università di Trieste. Quindi si prosegue con “Il tramonto orientale di una trilogia”, titolo dell’incontro curato il 10 marzo da Paolo D’Andrea, cultore della stessa materia all’Università di Trieste, prima della visione de “Il Fiore delle mille e una notte” (1974). Per passare poi alle storie narrate da Chaucer nei “Racconti di Canterbury”, che Pasolini mise in forma cinematografica nel 1972, proiezione presentata a Casarsa il 17 marzo dal giornalista Alessandro Mezzena Lona con una prolusione dal titolo Sesso a Canterbury, un sogno (disperato) di libertà
”. Gli ultimi due appuntamenti seguono l’evoluzione del cinema di Pasolini laddoveil sogno del passato felice trascolora nuovamente nell’immediatezza della realtà e quindi nell’incubo ferale dell’ultimo film, involontario congedo dallo spettatore, al quale resta aperto l’interrogativo su ciò che sarebbe potuto venire dopo. Il 24 marzo Roberto Chiesi, critico cinematografico e responsabile dell’Archivio Pasolini della Cineteca di Bologna, presenterà tre proiezioni: “12 dicembre” (1972), film restaurato dalla Cineteca nel 2014 e rieditato in versione integrale, “Le mura di Sana’a” (1971-74) e “Pasolini… e la forma della città”, nell’incontro dal titolo “Filmare il degrado dell’Italia”. Infine il 31 marzo la proiezione sarà dedicata all’ultimo film pasoliniano ovvero “Salò o le 12 giornate di Sodoma”, introdotto ancora da Alessandro Mezzena Lona nella lezione “Salò, dove la Ragione chiude i corpi dentro un lager”.

Tutti gli incontri sono aperti al pubblico e avranno inizio al Centro Studi alle 17, con iscrizione obbligatoria (12 euro, con attestato di partecipazione) fino ad esaurimento dei posti disponibili.

Info: 0434 870593. www.centrostudipierpaolopasolinicasarsa.it

Essere 3.0: una mediateca digitale

di Elena D’Incà

Il linguaggio audiovisivo è potente: può parlare di tutto e a tutti. Il suo utilizzo in contesti educativi ne fa uno strumento prezioso per tutti coloro che sono impegnati a prendersi cura, a diverso titolo, della crescita di bambini e adolescenti, a contrastare la nascita e la diffusione di comportamenti di prevaricazione e violenza, a favorire lo sviluppo e il rafforzamento delle competenze pro-sociali e di convivenza civile. 

Con questa consapevolezza la Mediateca di Cinemazero da anni è impegnata nell’approfondimento delle tematiche relative all’educazione digitale e all’utilizzo consapevole dei device digitali per questo ha voluto essere tra i partner attivi del progetto Essere 3.0 che prenderà il via il 02 marzo.

Il progetto Essere 3.0 è un’iniziativa di divulgazione digitale gratuita nata dalla collaborazione fra il Comune di Pordenone, Il Consorzio Universitario e Cinemazero. L’obiettivo di questo progetto è sviluppare le competenze digitali dei cittadini e contrastare il digital devide che rischia di escludere le persone meno abituate all’utilizzo delle tecnologie informatiche. Rispetto alla prima edizione, che si è svolta nei mesi di novembre e dicembre 2019, questa edizione è stata ampliata e potenziata con un programma più ricco e differenziato: con incontri di gruppo, incontri individuali e seminari di approfondimento con professionisti del settore per un totale complessivo di 78 incontri.

La Mediateca di Cinemazero curerà due seminari di approfondimento dedicati rispettivamente all’educazione digitale, al contrasto del cyberbullismo e al corretto utilizzo dei device. I seminari si terranno il 05 e 19 maggio.

Durante il primo seminario, a cura di Elena D’Incà, responsabile della Mediateca di Cinemazero e di Manuela Morana, referente delle attività didattiche di Cinemazero, si parlerà di educazione digitale e delle competenze utili per conoscere la rete e i nuovi media, per fornire a bambini e ragazzi gli strumenti per riconoscere ed individuare criticità e potenzialità della rete stessa. Durante il seminario si proporrà uno sguardo ai principali contenuti digitali per ragazzi (app, e-book, videogame, VR, AR) che stimolano lo sviluppo della creatività digitale, e che sono in grado di sviluppare le competenze quali il pensiero logico, il lavoro in team, il lavoro in parallelo ‘multitasking’.

Si parlerà inoltre di cyberbullismo e delle attività e proposte culturali che la Mediateca di Cinemazero, con il Sistema regionale delle Mediateche fvg ha messo in atto per supportare l’Ufficio regionale di Garanzia, nelle azioni di contrasto al fenomeno del bullismo e cyberbullismo. Nel corso dell’incontro saranno illustrati i servizi proposti dalla Mediateca di Cinemazero, sarà presentata una filmografia e sarà raccontato un percorso didattico. 

Nel secondo incontro in programma il 19 maggio, verrà illustrato il progetto “Usare ma non farsi usare”, il seminario sarà tenuto da Paolo Fedrigo, di ARPA Larea Laboratorio Regionale di Educazione Ambientale, che da anni collabora con la Mediateca nella realizzazione di iniziative di sensibilizzazione ai temi dell’ecologia e del rispetto dell’ambiente. Il progetto “Usare ma non farsi usare” ha l’obiettivo di sensibilizzare il maggior numero di persone, specialmente le fasce più giovani, sulla filiera produttiva dei nostri strumenti elettronici e in particolare sull’inquinamento elettromagnetico e il corretto utilizzo di cellulari, smartphone e tablet.

La partecipazione è gratuita, maggiori informazioni sono reperibili nel sito www.esseretrepuntozero.it e nella pagina Facebook @esseretrepuntozero.

Berlinale DOCS

Fra conferme e delusioni, un’edizione luci e ombre

Di Riccardo Costantini

Si sa, ci sono anni in cui “tutte le ciambelle riescono col buco”, e altri in cui è complicato servire anche un toast. Certo che da un festival come Berlino, alla sua 70° edizione e con un’ottima svolta generale impostata dal neo-direttore Carlo Chatrian (con un manipolo di valorosi italiani al suo seguito), ci si aspettava molto di più. In particolare, la sezione Forum, che quest’anno compiva 50 anni e che da sempre è stato territorio di sperimentazioni originali e provocatorie, ha deluso molto le aspettative, con lavori spesso al limite dello stilisticamente scorretto (inquadrature a camera fissa con urto accidentale della macchina, salti d’asse dissennati, montaggio di minuti e minuti completamente inutili…). Difficile, dalla selezione di Forum, per quel che abbiamo potuto vedere, salvare alcuni lavori.

Altro discorso merita il concorso internazionale. Il premio per il miglior documentario è andato a Irradiated di Rithy Panh, da anni uno dei grandi maestri dell’uso della materia reale per realizzare film: il suo lavoro, articolato in un trittico – fisicamente tripartito a schermo – di assoluta originalità visti anche i contenuti, affronta il dolore fisico e psicologico che la guerra “irradia” su chi le è sopravvissuto. Un film, purtroppo, eternamente attuale, che merita davvero il premio ricevuto. Peccato, appunto, che il resto non fosse all’altezza di questo lavoro. Un menzione fa fatta di sicuro per l’originale – e a tratti poetica (ma scontata negli esiti) – storia della scrofa Gunda (che da titolo anche al film raccontata da un altro grande del documentario come Victor Kossakovsky, in cui i protagonisti umani – artefici, ovviamente, di crudeli destini – sono relegati fuori da 90′ minuti di puro mondo animale, in bianco e nero e ad altezza bestie. Colpiscono invece, e non per sola similità di temi, due lavori dedicati alla disforia di genere: Petit Fille di Sébastien Lifshitz e Always Amber di Lia Hietala, Hannah Reinikainen. Nel primo la protagonista è una bambina, che in realtà all’anagrafe è Sasha, di sesso maschile, ma da sempre, univocamente, femminile in tutto e per tutto. Con grande delicatezza il film affronta la vicissitudine della protagonista e della sua famiglia, pronta ad amare incondizionatamente e accogliere senza giudizio, con rispetto e partecipazione nelle difficoltà di tutti i giorni, aiutando la bimba – di soli 7 anni – ad affrontare le complessità che regole, usi e costumi le impongono ogni giorno. Una toccante storia d’amore allargata, familiare, che in qualche modo assomiglia a quella di Amber – invece ragazza -, che vive in altra età disagi simili, legatissima al suo amico Sebastian, a sua volta protagonista delle stesse problematiche, ma a sesso invertito. Una vicenda piena di dolcezza e momenti di pura bellezza, in cui davvero nelle storia d’amore e di amicizia che si sviluppano nel corso della vicenda di Amber la definizione netta del sesso (per noi abitualmente elemento fondativo del nostro esistere) diventa completamente secondaria.

Di rilievo anche Aufzeichnungen aus der Unterwelt, l’ultimo lavoro di Tizza Covi e Reiner Frimmel, da noi noti per lo splendido La pivellina: la loro ultima fatica è dedicata alla scena artistica/musicale underground viennese degli anni ’60, con un sapiente uso di uno strumento principe del documentario, le interviste.

Il resto, in particolare per quel che concerne Forum…meglio non pronunciarsi, e invitare i selezionatori a fare un lavoro migliore per il 51° anniversario, sicuri che non sarà certo un anniversario tondo mancato a rovinare il lavoro di mezzo secolo.


King Vidor 8 1/2

alla 70 Berlinale

di Lorenzo Codelli

«King Vidor non ha mai smesso di andare al cinema e Fellini era tra i registi che ammirava maggiormente. Vidor riteneva che gran parte dei film fossero autobiografici, e negli anni ’70 aveva concepito un progetto rimasto sulla carta e ispirato a 8 1/2 di Fellini: “A un certo punto della sua carriera a Hollywood un regista non vuole più realizzare film che non esprimano le proprie idee personali. Si sente responsabile nei confronti del pubblico e decide così di fermarsi. Alla ricerca della propria anima ritorna nella piccola città natia e il film si basa soprattutto su questa ricerca […] Lo girerò in gran parte nel mio ranch. Ranch e fattorie sono sempre state le mie location preferite“». Così racconta Kevin Brownlow – che ha frequentato a lungo il regista di Alleluia (1929)  –  nel bel catalogo King Vidor pubblicato in inglese e tedesco in occasione della retrospettiva della 70 Berlinale (1). In effetti, fino dai suoi primi film muti, come il pamphlet socialista The Other Half (1919) o il western evangelico The Sky Pilot (1921), Vidor afferma con estremo vigore le proprie idee, una valanga di idee. Nel 1920 dichiara: «Credo nel cinema che porta un messaggio all’umanità». Martin Scorsese intitola “Un sogno di progresso sociale” il suo saggio per il catalogo berlinese, ricordando che Duello al sole (1947) era stato il primo film che aveva visto da bambino: «Con un Technicolor febbrile, i primi piani, l’incessante moto dinamico dall’inizio alla fine». Scorsese si dichiara d’accordo con Raymond Durgnat, l’eminente storico inglese: vitalità, dinamismo, ritmo, ottimismo, stanno alla base dell’universo vidoriano. «King Vidor è infinitamente interessante e coinvolgente. Per me è una fonte continua d’ispirazione», conclude Scorsese. Se poi capita, come a Berlino, di vedere o rivedere una quarantina dei suoi classici, capolavori o opere dimenticate, perlopiù proiettati in pellicola a 35mm, si raggiunge l’estasi! Un solo esempio, Passaggio a Nord-Ovest (1940). L’epopea d’un plotone di ranger nordamericani, durante la guerra coloniale del 1759, in marcia forzata per sterminare la tribù degli Abnaki alleata con le truppe francesi. La brutalità fisica dell’azione è pari alla selvaggia bellezza dei boschi, dei fiumi, delle montagne. Abbaglianti i toni marrone, blu, verde, del Technicolor d’epoca. Spencer Tracy, capo dei guerriglieri, incarna – siamo nel 1939/40, e il film è tratto da un bestseller scritto due anni prima da Kenneth Roberts – un ibrido tra Hitler, Stalin e Roosevelt. Un uomo forte (dixit Morando Morandini), loquace quanto manesco. Vidor lo esalta e lo critica incessantemente. Gli espliciti, sanguinari atti di barbarie sferrati contro i pellirossa preannunciano certi film di denuncia sul genocidio dei primi americani che arriveranno una decina d’anni più tardi. Nell’amore/odio tra il bellicoso ranger del carismatico Tracy e il raffinato pittore laureato ad Harvard che l’accompagna per immortalarne le gesta (il pacifico attore Robert Young) si concentra la fertile duplicità di King Vidor, autore provocatorio e contemplativo, infuocato e lirico.

  • A cura di Karin Herbst-Meßlinger e Rainer Rother, edizioni Bertz-Fischer/Stiftung Deutsche Kinemathek, 252 p., illustrazioni.