La 73a edizione del Festival Internazionale del Cinema di Berlino ha recentemente concluso il suo usuale intensissimo viaggio cinematografico, guidata per il quarto anno consecutivo dall’italiano Carlo Chatrian, assieme a Mariette Rissenbeek. La direzione di questi ultimi anni ha portato una ventata di aria nuova a Berlino, rinnovando progressivamente con garbo e gusto la proposta sempre attenta ai temi di attualità e politicamente impegnata del festival. Le stesse classiche sezioni di Panorama e Forum, che seguiamo con attenzione in particolare in relazione alla nostra selezione di Pordenone Docs Fest, sono state in questi ultimi anni foriere di novità, sia sul versante degli autori coinvolti che delle forme narrative a cui hanno dato spazio. Complessivamente l’intero festival ha rinnovato il suo interesse per il documentario, e lo ha dimostrato non a caso la giuria internazionale, presieduta dall’eclettica attrice statunitense Kristen Stewart, e composta da personalità del calibro di Golshifteh Farahani, Valeska Grisebach, Radu Jude, Francine Maisler, Carla Simón e Johnnie To, che ha consegnato l’Orso d’Oro per il miglior documentario al maestro del genere Nicholas Philibert per il suo Sur l’Adamant, un lavoro che ha saputo incantare anche il largo pubblico. La giuria ha poi meritatamente premiato come miglior documentario The Eco di Tatiana Huezo, regista già molto affermata. Si tratta di un eccellente documentario di osservazione che testimonia lo sguardo sul mondo “in divenire” dei giovani di un remoto villaggio messicano, capaci di scoprire il mondo con originalità e profondità pur vivendo fuori da contesti maggiormente civilizzati.
È apparsa invece curiosa la scelta di
premiare Orlando, ma biographie politique,
che ha colpito la giuria proprio per quello che a noi è sembrato un escamotage
datato e fine a se stesso: la voice over narrante, certo splendidamente
scritta e capace di legare il racconto delle diverse vite di persone
transgender, disposta in maniera però abbastanza didascalica su immagini di
tableaux vivants forzatamente ricercate.
L’Italia ha
fatto la sua parte con diversi titoli di qualità o d’importanza sociale, sul
primo versante senz’altro il delizioso Massimo Troisi: laggiù qualcuno mi
ama di Mario Martone (film a cui peraltro Cinemazero ha prestato diversi
materiali d’archivio), mentre sul secondo Le mura di Bergamo di un
regista costantemente innovativo ma coerente con se stesso come Stefano Savona.
Nonostante la bontà di questi titoli e
l’importanza di questi autori, l’Italia ha si è ritagliata un posto nel
palmares nell’ambito della fiction, con il magnifico DiscoBoy di
Giacomo Abruzzese che ha vinto l’Orso d’Argento per il Miglior Contributo
Artistico. Il riconoscimento per Abruzzese conferma l’attenzione della
Berlinale per i registi emergenti, continuando a rappresentare un’occasione
unica per pubblico – ma anche per gli addetti ai lavori – di aggiornare il
proprio panorama cinematografico.
«Sono felice, orgoglioso e onorato di presiedere la giuria del
Festival di Cannes quest’anno. Nessun altro luogo al mondo suscita tanta voglia
di cinema quando si alza il sipario su un film in Concorso. Il cinema è unico.
Lo condividiamo. Guardare insieme intensifica l’esperienza.» ha dichiarato
il regista svedese Ruben Östlund, aggiungendo «In qualità di Presidente
ricorderò ai miei colleghi della Giuria il loro ruolo. Un buon film si collega
anche all’esperienza collettiva, stimola la riflessione e fa venire voglia di
discuterne. Quindi vedremo tutti i film insieme!».
Sulla visione in sala Östlund ha idee molto precise: «Un film
funziona in modo molto diverso se lo guardi su uno schermo individuale o se lo
guardi insieme al cinema. Cambia il ritmo del film. Trovo strano che un critico
cinematografico sieda da solo in un cinema a guardare un film!».
Dopo Francis Ford Coppola ed Emir Kusturica, Östlund è il terzo
regista nella storia del Festival di Cannes ad aver ricevuto due Palme d’Oro e
ricoprire, poi, anche il ruolo di Presidente della Giuria. Ma è il primo ad
assumere questo incarico l’anno successivo alla sua seconda incoronazione.
Per ritrovare una precedente personalità svedese a capo della
giuria cannoise dobbiamo risalire al 1973, cinquant’anni or sono, quando Ingrid
Bergman assegnò la Palma d’Oro a Un uomo da affittare di Alan Bridges ex
aequo con Lo spaventapasseri (Scarecrow) di Jerry Schatzberg.
A titolo di cronaca quell’anno il premio FIPRESCI della stampa
cinematografica fu assegnato a La grande abbuffata di Marco Ferreri.
In ogni caso è curioso riguardare le personalità che hanno
ricoperto il ruolo di Presidente di Giuria in questi ultimi anni e il film a
cui hanno dato la Palma d’Oro.
Ad esempio, Ruben Östlund, coerente autore di film
antropologicamente provocatori, ha ricevuto le sue due Palme d’Oro da
personalità estremamente diverse come Pedro Almodóvar, nel 2017 per The
Square, e Vincent Lindon, nel 2022 per Triangle of Sadness.
Per il resto nell’ultima decade la poltrona di Presidente di
Giuria è stata ad appannaggio quasi esclusivo del cinema hollywoodiano e
dintorni: nel 2013 Steven Spielberg (Palma d’oro a La Vie d’Adèle di
Abdellatif Kechiche), nel 2014 Jane Campion (Palma d’oro a Il regno
d’inverno di Nuri Bilge Ceylan), nel 2015 Joel ed Ethan Coen (Palma d’Oro a
Dheepan di Jacques Audiard), nel 2018 Cate Blanchett (Palma d’oro a Un
affare di famiglia di Hirokazu Kore’eda), nel 2019 Alejandro González
Iñárritu (Palma d’oro a Parasite di Bong Joon-ho) e nel 2021 Spike Lee
(Palma d’Oro a Titane di Julia Ducournau). Nel 2020 non c’è stata la
manifestazione causa Covid.
Per trovare un italiano a capo della giuria dobbiamo risalire fino
al 2012 con Nanni Moretti che premiò lo splendido Amour di Michael
Haneke.
Ruben Östlund è candidato quest’anno anche all’Oscar – sempre per Triangle of Sadness – in
due sezioni: miglior regista e migliore sceneggiatura non originale, a Cannes è
quasi di casa. Dei sei lungometraggi che compongono la sua breve filmografia,
oltre alle sopracitate due Palme D’Oro è stato selezionato due
volte nella sezione Un Certain Regard, dove ha vinto il Premio della
Giuria nel 2014 con Turist.
Claes Olle Ruben Östlund, questo il suo nome completo, nato il 13
aprile 1974 a Styrsö, contea di Västra Götaland, dopo aver studiato cinema a
Göteborg, nel 2004 dirige il suo primo lungometraggio, The Guitar Mongoloid,dove l’umorismo, come strumento di descrizione sociologica, già si stava
manifestando nel solco di una dialettica provocatoria che diventerà un po’ la
sua firma.
Ha dichiarato spesso la sua voglia di confrontarsi, di guardarsi
allo specchio e fare domande. Domande che sollecita nel pubblico affinché ”mettesse
in discussione come è costruita la società”. Altro suo fermo credo è che “il
film deve funzionare al cinema. È una configurazione completamente diversa
rispetto a quando guardi qualcosa su uno schermo individuale da solo. Cambiano
le dinamiche stesse del film!”.
Dichiara anche di essere stato, da sempre, ispirato dal film Sympathy
for the Devil (1968) di Jean Luc Godard. Il regista francese filmando i
Rolling Stones, ovvero la seconda rock band più famosa al mondo, veicolava nel
contempo dei contenuti politici in modo da raggiungere un più vasto pubblico.
I termini più spesso spesi per definire la sua cifra stilistica sono
“dialettica provocatoria”, “esame sociologico”, “umorismo corrosivo”. Bisogna,
infatti, riconoscere a Östlund un formidabile senso dell’humour visuale e
verbale nelle sue acide commedie, dove rifiuta la logica del bianco o nero e
rivolge il suo acuto studio del comportamento umano a tutte le categorie
sociali, come nell’elaborata scena in Triangle of Sadness, quando i
passeggeri della crociera di lusso, durante una tempesta, vengono presi da
conati di vomito. Una folle sequenza di 15 minuti, che supera persino il cinema
dei Monty Python; «Volevo girare in un film la prima scena al mondo con
qualcuno che caga e vomita allo stesso tempo!» ha dichiarato ridaccchiando
in un’intervista Östlund, fregandosene contemporaneamente dei critici
cinematografici che (sono parole sue) “vogliono spesso apparire più
intelligenti del film”.
A quarantanove anni Ruben Östlund ha ancora una luminosa carriera
davanti e una probabile terza Palma d’Oro con il suo prossimo film The
Entertainment System Is Down che si svolgerà durante un volo aereo a lungo
raggio. Subito dopo il decollo, i passeggeri ricevono la notizia che gli
schermi sui sedili non funzionano quindi le persone saranno costrette a
rimanere sole con i propri pensieri, senza altre distrazioni. Sarà interessante
ed istruttivo vedere come Östlund svilupperà l’osservazione del comportamento
degli esseri umani quando viene loro tolto l’oggetto di distrazione di massa.
Nel frattempo lo aspettiamo in Costa Azzurra nei panni di
Presidente di Giuria al prossimo 76mo Festival di Cannes (16-27 maggio). Viva
il cinema in sala!
Tra epiche battaglie di supereroi-bambini e torvi contadini galiziani, slasher lituani e ambigui turisti olandesi, il “festival diffuso” GRINDHOUSE (8 film per un sistema di 9 sale cinematografiche) è pronto a spiccare il volo e a celebrare il miglior cinema europeo di genere! Da un lato ghettizzati e dall’altro celebrati come reperti del tempo che fu, i film di genere segnano in realtà la ricchezza di una cinematografia (basti pensare alla recente esplosione della cinematografia coreana). Peccato che il circuito delle sale di qualità se ne occupi molto raramente: l’equivalenza “cinema europeo = cinema art house” e “cinema americano = cinema di genere” è ancora molto radicata, nonostante esista un’importante produzione europea di cinema di genere accompagnata da un pubblico interessato e specializzato nel settore. Pubblico mediamente giovane, molto attento e competente, che consuma questi film ai festival o attraverso l’home video e le piattaforme.
Ad aprire la rassegna nelle sale del Friuli Venezia sarà il premiatissimo AS BESTAS di Rodrigo Sorogoyen, vincitore di 9 Premi Goya 2023, il più importante riconoscimento del cinema spagnolo! Una coppia francese si trasferisce in un villaggio della Galizia per realizzare un agriturismo ecosostenibile. Quando si oppone all’installazione di pale eoliche, il voto contrario aggrava l’ostilità degli indigeni nei loro confronti. A farsi sempre più minacciosi sono soprattutto i selvatici fratelli Xan e Loren, proprietari di una piccola fattoria vicino a quella dei francesi. Un angosciante thriller rurale in cui entrambe le parti in causa hanno le loro ragioni e i loro torti ma in cui la spirale che si è innesca risulta più potente e inarrestabile di ogni posizione in campo. AS BESTAS sarà in programma, in versione originale con sottotitoli italiano, a Cinemazero di Pordenone lunedì 20 marzo alle ore 20.45.
I prossimi appuntamenti con GRINDHOUSE vedranno arrivare sugli schermi regionali PENSIVE di Jonas Trukanas, coming of age/ slasher lituano, THE INNOCENTS di Eskil Vogt, epica battaglia tra Bene e Male a metà tra Stephen King e Henrik Ibsen, e SPEAK NO EVIL di Christian Tafdrup, horror psicologico danese che trasporterà lo spettatore dentro un incubo da cui non si potrà tornare indietro!
I film in programma verranno votati dal pubblico di tutti i cinema coinvolti, per decretare il vincitore finale!
GRINDHOUSE – THE NEW EUROPEAN GENRE CINEMA IS COMING è un progetto selezionato all’interno di Collaborate to Innovate: il programma di Europa Cinemas costruito su tre idee fondamentali: innovazione, collaborazione, sostenibilità. Il progetto, curato da Leopoldo Santovincenzo, vede la partecipazione di 6 cinema italiani e 3 cinema sloveni (Kino Union Celje, Mestni Kino Domžale, Cinema Astra Firenze, Kinemax Gorizia, Cinemazero Pordenone, Kosovelov Dom Sežana, Cinema Classico Torino, Cinema Ariston Trieste, Visionario Udine) che, insieme, si sono posti l’obiettivo di conquistare una nuova “audience” per il cinema di genere.
“The Father – Nulla è come sembra”: l’esordio cinematografico di Florian Zeller approda in mediateca
Di Martina Zoratto
A poche settimane dall’uscita
nelle sale del suo secondo lungometraggio The Son, l’acclamato debutto
sul grande schermo del drammaturgo francese si aggiunge alla ricca collezione
di DVD della Mediateca Cinemazero.
Presentata in anteprima al Sundance Film Festival nel gennaio 2020, la pellicola ha visto la luce (o per meglio dire, il buio) durante una delle stagioni più drammatiche che l’industria cinematografica abbia conosciuto, assistendo al continuo rinvio del proprio lancio distributivo. Pur inevitabilmente penalizzato da simili circostanze e appesantito dalla responsabilità di aprire le danze alla tanto attesa riapertura delle sale, The Father pare aver superato alla grande tale prova, aggiudicandosi il favore della critica e niente meno che quattro candidature e due premi Oscar: Miglior Attore Protagonista e Miglior Sceneggiatura non originale.
Adattamento dell’omonima pièce
teatrale dello stesso autore, il film tratteggia in modo cristallino il profilo
di un uomo annebbiato, le cui parentesi di estrema e graffiante lucidità
contribuiscono a restituire uno spietato ritratto di una malattia degenerativa.
Una narrazione precisa ma inattendibile, priva di punti fermi come la psiche
del protagonista, che si muove smarrito tra i corridoi e le stanze di un
appartamento in continua mutazione, con lo sguardo confuso di chi vede i volti
dei propri cari assumere fisionomie sconosciute.
A impersonarlo, un Anthony
Hopkins come sempre all’altezza delle aspettative, affiancato da una
altrettanto brillante Olivia Colman, nei panni di una figlia devota ma in
difficoltà, costretta a vivere all’ombra di una sorella scomparsa e a prendersi
cura da sola di quella figura paterna di cui vede progressivamente sbiadirsi i
contorni. Dialoghi che si ripetono, stanze che si confondono e oggetti che
spariscono: tutto concorre ad alimentare i comportamenti via via più ossessivi
del protagonista e a costruire un dramma forte della propria radice teatrale
e al contempo di un sapiente uso dei mezzi di cui il solo linguaggio
cinematografico dispone.
Una storia che – come le note dei
brani di Ludovico Einaudi che l’accompagnano – ferisce e scalda il cuore,
lasciandoci con gli occhi velati di tristezza di fronte all’inevitabile
inverno, che spoglia l’albero delle sue foglie.
——–
Per chi rifugge il dramma, Cinemazero
ha in serbo altre sorprese; tra le novità in uscita a marzo in mediateca, un’interessante
varietà di titoli:
Corpus Christi, ambientato
tra gli spazi chiusi di un riformatorio e quelli dilatati di un villaggio
sperduto nell’aperta campagna polacca, dove un giovane vive diviso tra la
purezza della propria vocazione spirituale e il peso di una fedina penale
macchiata;
Rifkin’s Festival, una
spensierata lettera d’amore al cinema firmata Woody Allen, che qui tratteggia
con la consueta autoironia un alter-ego intrappolato nelle dinamiche
sentimentali che hanno reso celebri le sue commedie, ambientando le vicende nel
vivace contesto festivaliero di San Sebastian;
Maternal, singolare scorcio
di una realtà complessa, quella di un istituto religioso per ragazze madri a
Buenos Aires, dove il rapporto tra una giovane suora e una coppia di adolescenti
con delle gravidanze indesiderate alle spalle innesca una riflessione sul
concetto di maternità in tutte le sue sfaccettature;
Il cattivo poeta, opera
prima di Gianluca Jodice, che sceglie di ricostruire gli ultimi anni di vita di
Gabriele D’Annunzio e lateralmente l’allentarsi dei suoi rapporti con il regime
fascista, narrazione che diventa pretesto per restituire una fotografia
dell’Italia degli anni Trenta;
Black Widow, lo
spettacolare blockbuster pregno di azione incentrato sulla figura di Natasha
Romanoff, la Vedova Nera, una delle supereroine più amate del Marvel Cinematic
Universe, qui in missione per sgominare un misterioso complotto, che trova
origine nel lato più oscuro del suo passato;
Maledetta Primavera,
pellicola di formazione ambientata nel desolante contesto della periferia
romana degli anni Ottanta, dove l’incontro tra due adolescenti assume la
purezza di un contatto tra due anime in piena fioritura;
Un altro giro, del
cineasta danese Vinterberg, un viaggio introspettivo attraverso la crisi di
mezza età di un professore di liceo, alla scoperta delle gioie e dei rischi
dell’alcol: un’ode all’amicizia e un liberatorio inno alla vita;
Lei mi parla ancora, il
malinconico racconto, narrato attraverso la regia di Pupi Avati, di una lunga
storia d’amore sospesa tra presente e passato, tra vita e morte: il tormento di
un uomo di fronte a un lutto troppo profondo per essere elaborato;
Gagarine: proteggi ciò che ami,
la lotta di un giovane abitante della periferia parigina, determinato a
impedire la demolizione del proprio degradato complesso residenziale, nel
disperato quanto poetico tentativo di mantenere vivi – come i suoi ricordi – i
luoghi della propria infanzia.
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